Ir al contenido principal

¿Que vas a encontrar aquí?

Aquí muestro como yo veo, entiendo y siento el cine.
Una disciplina artística que me fascina desde siempre, de la cual entiendo algo y disfruto mucho.

Encontrarás teoría del cine, cómo se hace cine, opiniones personales, B.S.O ... todo lo que tenga que ver con el mundo del cine. (contenido original y compatido)




Transiciones

Conjunto de planos que sirven para la unión entre planos que se suceden de forma que el paso de unos a otros se hace paulatinamente en lugar directamente mediante el corte.

Tecnica del montaje cinematográfico escrito por Karel Reisz

Como montaje entendemos aquel proceso de selección, medida y orden de unos planos dados para construir una continuidad cinematográfica. Pudovkin escribió hace ya muchos años que "el montaje es la base del arte cinematográfico", y sigue siendo una verdad esencial.

Lo que pretende este libro es reflejar esta verdad presente a lo largo de la corta vida del cinematógrafo.

La obra comienza con una breve historia del montaje; como es lógico comienza con los hermanos Lumière, ya que se consideran los padres del cinematógrafo aunque la historia del montaje tal y como lo entendemos ahora no empieza con ellos. Simplemente se limitaban a captar el movimiento.



Georges Méliès. Mientras lo hermanos Lumière se conformaban con un sólo accidente, Méliès introducía una serie de episodios, pero es todavía una presentación teatral; existe una unidad cuadro-espacio y todavía no hay una continuidad entre la acción de plano a plano, y la relación temporal entre dos planos queda indefinida.

S. Porter en "La vida de un bombero americano" demostró que el plano aislado, pieza incompleta de la acción, es la unidad sobre la cual debe construirse el film, estableciendo así el principio básico del montaje. Lo que hizo fue plantear un problema dramático en el primer plano y que no se resolverá hasta el final.

D.W. Griffith en "El nacimiento de una nación" puso a prueba sus descubrimientos sobre el oficio cinematográfico. El rodar planos aislados para luego dotarlos de sentido y continuidad mediante el montaje permitía hacer más fáciles escenas que antes eran complicadas y costosas.

Los jóvenes directores rusos aspiraban a llevar las posibilidades expresivas del cine mucho más lejos que el mero montaje, pretendían obtener del nuevo sistema de montaje conclusiones de tipo intelectual. Se bifurca en dos escuelas; la de Pudovkin y Kuleshov por una parte y Eisenstein por otro.

Según Pudovkin y Kuleshov el proceso de montaje es algo más que un recurso para narrar una historia en continuidad, realizaron algunos experimentos como alterar el orden de los planos (alterando a su vez el significado final) o el experimento del "cambiante" rostro de Mosjukhin según el plano que le precediese.

Eisenstein muestra una falta de interés por la mecánica del relato. Lo que trata es llevar la fuerza representativa del cine más allá de la simple narración. Aquí se prescinde por completo de cualquier estructura narrativa, para montar una continuidad de significación puramente intelectual. Cada transición amplía una idea en vez de continuar la acción del plano anterior: son imágenes que desarrollan un razonamiento, no una acción.

La historia del cine mudo es la de una lucha para aumentar la capacidad visual del cine por medio de un montaje cada vez más elaborado y complejo.

La llegada del sonido fue causa de una pasajera regresión. Algunos teóricos del cine afirmaban que el diálogo hacía disminuir su fuerza expresiva, o que el sonido debía formar contrapunto con la imagen y no sincronizarse a ella. Sea como fuere el sonido fue bien acogido, convirtiéndose en un reclamo comercial, pero una vez la novedad estuvo asimilada, éstas películas eran pobres y monótonas, ya que el sonido limitaba mucho las posibilidades técnicas.

El principal cambio que trajo el sonido fue una mayor economía en el relato, que posibilita una mayor complejidad y mayor grado de realismo.

En cuanto al montaje, podemos encontrar algunas diferencias entre el mudo y sonoro con relación a cuatro aspectos fundamentales: orden de los planos (en la época muda se tenía una gran libertad que se ha perdido en gran medida con el sonoro ya que el sonido encadena los elementos visuales), selección de encuadres (el director debe saber cómo va a montar la escena para que pueda tener los efectos dramáticos buscados), duración de los planos (en el cine mudo la tensión se obtenía por medio de la duración de los planos, en el sonoro se ajusta la imagen a la banda sonora de manera que conseguimos efectos que no son inherentes al sonido ni a la imagen) y fluidez narrativa (en casi todas las películas mudas las transiciones son bruscas y apreciable, la preocupación realista del cine sonoro busca conseguir una continuidad fluente y suave).

En la segunda parte de este libro se comentan los distintos estilos de montaje y se ilustran con numerosos ejemplos. Nos habla de las secuencias dialogadas y comenta, por ejemplo, que los encuadres de un actor suelen hacerse con una referencia del otro actor y los primeros planos suelen usarse en los momentos de mayor interés.

Respecto del cine cómico dice que hay dos formas de hacer reír: anticipando lo que va a ocurrir o jugando con la sorpresa.

En las secuencias de montaje hay dos estilos: el soviético (contraste del plano A y B forma un concepto nuevo) y el actual (A+B+ ... +X= expresión de la transición de A a X).

En el documental informativo la creación cinematográfica surge de los estímulos físicos y mentales que surgen del montaje (el cine es el montaje), ya que los que pretende es hacer una exposición de un tema y no contar una historia.

En el documental imaginativo lo importante es crear a lo largo de los diferentes planos un mundo de sugerencias líricas.

En el documental de ideas lo que se busca es, mediante la yuxtaposición de imágenes y sonidos, crear conceptos nuevos.

En estos documentales el sonido es muy importante ya que da ritmo y movimiento a planos estáticos.

En montaje de los films educativos debe ser pausado y persuasivo, desechando los cambios bruscos de plano, por que causan confusión en el público.

En un buen noticiario el montador tiene que destacar los puntos de mayor interés, dar forma a la noticia siguiendo la cronología, además es casi una norma empezar con cosas de poca importancia para darle tiempo al espectador a centrarse.


En los films de montaje se trata de dar lógica y sentido a un material que en su día se rodó para fines diferentes a los que tenemos ahora. Por lo tanto el realizador sólo podrá apoyarse en el montaje y en la expresividad de un comentario hablado. El problema crucial es dar con el lugar adecuado para cada plano, ya que su significación está en función del contexto general.

En la tercera parte se comentan algunos principios del montaje, adjuntando unos interesantes anexos.

Se nos dice que la justificación del montaje se basa en la posibilidad de reproducir un proceso mental por el cual una imagen visual sucede a otra conforme nuestra atención se detiene en un punto u otro.

También nos indica la importancia que tiene el raccord (dirección, mirada, luz, etc.) y la regla de los 180º, para no perder la ilusión de ver una acción continuada. Y por ello no es conveniente interrumpir el curso de un movimiento.

Las variaciones de velocidad sólo tienen significación cuando intensifican o aminoran el interés del espectador. Hay que tener siempre en cuenta que el aumento en la cadencia en los cortes tiene que estar en función del contenido de los planos y que los contrastes de montaje rápido y lento acentúan la sensación de urgencia.

Respecto al ritmo, su factor determinante es el ritmo de la interpretación.

Las transiciones mecánicas son de importancia secundaria para la calidad del montaje. Lo fundamental es que el relato siga su curso plano a plano. El raccord y los bellos cortes no son un fin en sí mismos, sino un medio al servicio del relato.

Respecto al montaje sonoro, hay dos tipos de sonidos, los sincrónicos (sonidos cuyas fuentes están visibles en la pantalla) y los asíncronos. Estos últimos también deben aparecer para hacer el sonido más realista.

La banda sonora imprime un ritmo a los hechos que debe ir acorde con las imágenes, además el sonido continuado ayuda a que las transiciones pasen desapercibidas.

Por lo tanto el libro nos hace una presentación del montaje en tres aspectos básicos: la historia, la práctica y los principios básicos, y esto lo hace por medio de una narración ligera y con gran cantidad de ejemplos lo que supone una lectura amena a la vez que didáctica.

Entradas populares de este blog

Planos y composiciones

Plano... se relaciona con el concepto encuadre. Es una reproducción en dos dimensiones de la realidad. Tiene consideraciones espaciales y temporales. La toma es el segmento de narración fílmica en tiempo real que transcurre desde que se arranca y se detiene la grabación con la cámara. Si se manipula el tiempo de los planos, entonces difiere el tiempo real del tiempo fílmico. a. Tamaño planos... ✓ Plano detalle :Muestra un objeto o una parte del objeto o personaje. La cámara está situada prácticamente sobre los elementos que registra. Su valor depende del contexto. Puede aportar un valor descriptivo, un valor narrativo o un valor expresivo. Los planos de detalle suelen tener también una corta duración y se intercalan con otros planos que aportan más información sobre lo que hace el personaje y sobre el entorno que le rodea. Al igual que en los otros tipos de plano, hay que evitar cortar a las personas por sus uniones naturales. ✓ Primerisimo primer plano (Plano muy cerc

Panorámica horizontal / vertical

MOVIMIENTOS DE CAMARA La regla de oro para cualquier movimiento de cámara es que pase desapercibido. El operador de cámara debe procurar que cualquier movimiento de la cámara sea suave e uniforme. El uso de una técnica deficiente en el desplazamiento de la cámara puede ser lo que más distraiga al espectador. Para evitar defectos, la cabeza giratoria del trípode debe estar bien ajustada. Hay que asegurarse de que la cámara está equilibrada y que los tornillos de ajuste de los mecanismos de panorámica (horizontal y vertical) han sido comprobados. Panorámica. Por panorámica entendemos el giro horizontal de la cabeza de la cámara. También podemos hablar de panorámica vertical o “tilt”. La panorámica debe iniciarse siempre con un plano fijo. Ha de ser uniforme y suave; debe desarrollar un movimiento regular a lo largo de toda su trayectoria y debe terminar a la misma velocidad a la que comenzó. En general, casi todos los movimientos de cámara se deben iniciar y terminar con

Angulo Imposible

Ejemplo claro de Ángulos Imposibles Se consigue por medio de efectos, trucajes, manipulación del decorado... (una imagen tomada desde dentro de una nevera abierta, p.ej.) La subjetiva es cuando el visor de la cámara se identifica con el punto de vista de uno de los personajes creando una sensación de perspectiva subjetiva o mediatizada.

Travelling o dolly

El travelling o dolly. Éste movimiento consiste en el desplazamiento físico de la cámara sobre cualquiera de sus ejes horizontales . Puede realizarse con ayuda de soportes motorizados (“dolly”) e incluso sobre raíles ( travellings en el sentido estricto de la palabra), pero nosotros nos centraremos en el que se realiza sobre las ruedas del trípode. Las características que ha de reunir un travelling de calidad son: uniformidad, discreción y coherencia. La coherencia se refiere a que exista una razón que justifique su trayectoria, y a que el objeto sobre el que se dirige sea claro y preciso. Dicho de otra manera: si el travelling se hace hacia un grupo de personas, debe haber una “diana” precisa hacia la que se dirige, sin dar pie a la ambigüedad y la vacilación. Además la cámara debe desplazarse progresivamente y con gran suavidad, evitando perder foco durante el desplazamiento. Es importante mantener bien ajustada la cabeza giratoria y el soporte y conseguir la mejor estabilida

Profundidad de Campo

La profundidad de campo es un término utilizado en fotografía para expresar el rango de distancias reproducidas con una nitidez aceptable en una foto. ¿Sabes cuales son los elementos que determinan una mayor o menor profundidad de campo? Valores que afectan la profundidad de campo La profundidad de campo va a influir de forma decisiva en la atención a la hora de contemplar una fotografía, ya que inconscientemente dirigimos nuestros ojos a aquellas zonas de la imagen que se encuentran más enfocadas frente a aquellas otras que no lo están. La profundidad de campo obtenida va a depender de varios factores: 1. La apertura del objetivo La profundidad de campo de nuestra foto será mayor cuanto más cerrado esté el objetivo, o lo que es lo mismo, tenga un número f mayor . Así, una fotografía tomada desde un punto a f16 tendrá mayor profundidad de campo que otra tomada desde el mismo punto con una apertura de f4.   2. La distancia al elemento fotografiado Cuanto más cerca no

Perspectivas

La lentes focales cortas són las llamadas angulares o gran angulares , que exageran el efecto de perspectiva. El contrario es el teleobjetivo , que elimina la perspectiva y muestra una representación plana -al mismo tamaño- de unos personajes que ocupan espacios reales distintos. Profundidad de campo L a profundidad de campo es la zona del espacio que existe por delante y por detrás del punto de enfoque, dentro del cual la imagen obtenido sigue ofreciendo nitidez. El interés visual del espectador se fija en las zonas que se ven más definidas, o sea en los contenidos que se incluyen en el intervalo llamado profundidad de campo. Cuando tomamos una fotografía a cierta distancia, veremos que hay elementos que salen “ borrosos ” y elementos que salen “nítidos”. Generalmente, sobre todo con las cámaras digitales que posean lentes ajustables (estilo reflex), habrá una zona de la fotografía donde la imagen estará enfocada, si la hemos tomado correctamente, en el objeto tema (es dec

Encuadre

Significa seleccionar, elegir o combinar los elementos que se incluirán dentro de ese espacio bidimensional. marca unos límites. En el cine clásico, la proporción es de 11'33 entre la altura y la base del cuadro. A mediados del siglo XX entro el formato panorámica 11'66 que más tarde se desarrolló hasta el 11'85. Hoy la HDTV (TV de alta definición) impone la relación 916. (equivalente a un 11'77). Al encuadrar se decide qué incluir o excluir, donde centrar la composición para que sea centrada y tenga sentido. En el cine la imagen esta encerrada en el cuadro de la pantalla, que es el que define el mundo del film separándolo del mundo real, que es en el que estamos nosotros (la sala de cine). El encuadre no es simplemente un limite físico que separa la ficción de la realidad y funciona de muy diversas maneras. Al marcar los limites de la imagen se esta tomando una decisión (el director) qué incluir o qué dejar fuera, y como inclu

Primerísimo primer plano

  El Primerísimo primer plano (P.P.P.) capta el rostro desde la base del menton hasta la parte de arriba de la cabeza. También dota de gran significado a la imagen.

Diafragma

El diafragma o también conocido como apertura es la cantidad de luz que una cámara permite pasar a través de su lente a la hora de tomar una fotografía. Las aperturas se miden en pasos f y la escala estandar de pasos f completos sería: f/1.0 f/1.4 f/2 f/2.8 f/4 f/5.6 f/8 f/11 f/16 f/22 f/32 f/45 f/64 Cada lente tiene diferentes rangos de pasos f, siendo el rango más común de f/4 hasta f/22. Para situaciones en donde hay poca luz, nuestro lente tendrá que estar muy abierto o con una apertura muy grande para permitir que entre luz suficiente al sensor. Una apertura grande se representa con un número pequeño como f2 o f5.6 Cuando tomamos fotografías en exteriores en días soleados nuestro lente necesita estar muy cerrado con una apertura muy pequeña para que entre poca luz al sensor. Una apertura pequeña se representa con un número grande como f22 o f32 Dependiendo de la apertura que escojamos, tendremos más o menos profundidad de campo en una fotografía. Si util

Distancia Focal

La distancia focal es un número expresado en milímetros que nos indica los grados que el lente de una cámara digital es capáz de abarcar. La distancia focal de un lente se ve afectada por el factor de conversión que tenga nuestra cámara digital. A continuación presento una tabla en donde podemos apreciar que ángulo de visión nos cubren diferentes lentes en términos equivalentes de 35mm: Lente: Angulo de Visión: 15mm 180 grados 20mm 94 grados 28mm 75 grados 35mm 63 grados 50mm 46 grados 85mm 28.5 grados 135mm 18 grados 200mm 12 grados 300mm 8.25 grados 400mm 6.16 grados